Por Cristóbal Gaete

El Rock tiene muchas variantes, pero quizá la que más fanáticos genera (no oyentes, sino fanáticos) es el "Metal". La banda Slayer, con la voz de Tom Araya -oriundo de Viña del Mar- inspira a los protagonistas de "Detector de Metales", Ramón y Mónica, que hacen la cimarra mientras hablan de heavy metal. Pronto el amor explotará entre ellos.

Carmen Duarte debuta en la literatura con este libro, tras su trayectoria como crítica de música en varios medios como la Zona de Contacto y revista Qué Pasa. Cada subtítulo es el nombre del protagonista y su ubicación geográfica: Santa Inés, Miraflores, Recta Las Salinas, avenida Perú, Granadilla. Puntos disímiles de Viña del Mar y también de Valparaíso, como el Sindicato de Estibadores, donde se hacían míticos recitales.

En Granadilla, Mónica come en un restaurante exclusivo con su abuela, que odia a su madre porque la inscribió en un colegio alternativo. Es la historia de generaciones enfrentadas y separadas por una música estridente.

Otras escenas ocurren en Oslo, Lappis y Arlanda, lugares hacia donde el protagonista, Ramón, parte a profundizar su pasión por el Metal, ya que Suecia es la cuna de algunas variantes principales del rock metal. La misma autora viajó a los países nórdicos para investigar:

"El 2017 viajé a Suecia. Estuve de visita, y chequeé hartas cosas de las que pasaban en Suecia y Noruega. Estuve en Estocolmo, y en Gotemburgo, cuna del metal melódico sueco, y en Oslo, cuna del Black Metal", dice Duarte.

Ese trazado permitió que Ramón -en el libro- tuviera una iniciación metalera bajo los códigos ancestrales nórdicos. Para la escritora Carmen Duarte, que es también sicóloga, "la mitología sueca es muy vistosa, todos los que conocemos Marvel conocemos a Thor, el dios del trueno".

-¿Qué hay de ti en "Detector de metales"?

-Bastante. No es una novela autobiográfica, es una novela de ficción. Yo crecí en Viña en el período en que los protagonistas habitan la ciudad, soy casi contemporánea a ellos. Muchos de los lugares que visitan, yo los visitaba. Hay algo de su mundo en mí. Compartí tiempo y espacio con los protagonistas de la novela.

-¿Pudiste pasear en el último tiempo por Viña o apelaste a la ciudad sentimental que llevas adentro?

-Partí con los primeros temas de memoria emotiva. Te diría que el 2017 tomó forma con el segundo momento, en Estocolmo. El 2018 terminé la novela, que si bien es corta, implicó harta investigación.

-Todo ocurre en Viña y Valparaíso: ¿te parece que ambas ciudades acogen a gente particular?

-Viña y Valparaíso, aunque se piense lo contrario, es una sociedad menos clasista que Santiago, aún con la diferencia muy fuerte entre 'plan' y cerros. La gente se mezcla. Es distinto que Santiago, que es una ciudad muy segregada. Acá se abren espacios para la divergencia, para compartir. Valparaíso se caracteriza por ser muy libre y permea a su hermano chico que es Viña.

-Todos los capítulos tienen el título del lugar en que suceden. En el mapa que trazas, ¿eliges primero el lugar o lo que sucedía?

-Ambas cosas. Para mi formación de crítica musical, ir a Valparaíso era esencial. Al Sindicato de Estibadores fui mucho, oí varias bandas. También fui al Klandestino, que era un lugar más underground. En Viña hay bares con sillas y mesas plásticas y otros de más alcurnia, como el Granadilla. Para mí era importante hacer un mapa de lugares que eran emocionalmente significativos para los protagonistas. Ellos tienen vida, espacio, se mueven allí.

-Muchos de esos bares ya no existen. Tampoco se graba en cassette los temas que uno elegía, como sucede en la novela. ¿Recuerdas cuál fue el último cassette que grabaste?

-Grabé uno de "Suárez" y grababa bandas. Después me pasé el CD. Al principio mi colección era de puros CD pirateados. Cuando comencé a trabajar compré mis cedés de verdad. En los protagonistas aparece el "Trading", muy de la cultura metalera, que tiene que ver con intercambiar cassettes grabados por correspondencia. Te los devuelven, también por correo, con otra banda grabada incluso encima del mismo cassette.

-¿Cómo fue tu viaje a Suecia?

-Es una historia muy porteña. Cuando estudiaba en la Católica de Valparaíso conocí a una estudiante de intercambio sueca que estudiaba Música, nos convertimos en mejores amigas, y me invitó a ir hace años. Después para la novela había cosas que quería de ver de primera fuente, porque me fijo mucho en los espacios. Estuvimos recorriendo hartos lugares juntas. Hay muchos chilenos en Suecia y pude compartir con muchos que tienen sus bandas metaleras allá. Recorrí las ciudades como las recorrería Ramón, y además los lugares emblemáticos del Metal. Por ejemplo la disquería emblemática del Metal en Oslo se convirtió en un solarium, y eso lo chequé con los dueños nuevos que lo restauraron. Elegí puntos bien neurálgicos para visitar, disquerías, lugares de tocatas y también para entrar en la mitología.

-¿Cómo fue crecer en los noventa?

-Entretenido. Era una época que tenía harto de autogestión. Si te gustaba algo lo investigabas, te las arreglabas, juntabas la plata, encargabas los discos, mandabas la plata envuelta en papel calco para que no se viera y te llegaba un disco de vuelta. Buscabas a tus amigos porque se veían parecidos a ti, por tener el pelo morado. Tenía algo de tribu. Es más inmediato el contacto por las redes sociales ahora. No soy nostálgica, no lo estoy romantizando, no le veo mucho sentido a eso. Ahora también hay cosas buenísimas.

-Cuesta imaginar a estos personajes adolescentes en la ciudad ahora.

-Quizá esos encuentros se dan igual, pero no se ven. Antes podías ubicarlos en un mapa, ahora no.

-¿Cuál ha sido tu soundtrack en esta pandemia?

-Tengo una lista media esquizofrénica en Spotify la verdad: hay Metal, hay Pop. El género que más escucho es Pop independiente. Son bandas medio Shoegaze (rock alternativo) y melancólicas, como 'Tame Impala', sonido entre digital y análogo. También escucho mucho podcast, me gusta escuchar a la gente hablar.

El profesional de sonido suele ocupar una posición poco privilegiada dentro de la jerarquía del cine. No hay nombres conocidos de técnicos fuera del nicho de la cinefilia; pasamos por alto esa categoría cada vez que se premia en los Oscar y convengamos en que nadie escogería una película por su sonidista. Así y todo, cómo se escucha una obra cinematográfica es un asunto fundamental dentro de la experiencia. Los sonidos quedan en nosotros tanto como las imágenes. Los disparos del western, las atmósferas en las cintas de horror, el paso de las naves o la respiración de Darth Vader en "Star Wars" y la musicalización fragmentada y desfasada de Jean-Luc Godard son solo algunos ejemplos imborrables.

Midge Costin, editora de sonido que ha colaborado en películas tan distintas como "Cry Baby" (John Waters, 1990), "Días de trueno" (Tony Scott, 1990) y "Armageddon" (Michael Bay, 1998), quiere que conozcamos más sobre su oficio. Por eso ha realizado "Making Waves: The Art of Cinematic Sound", documental que forma parte de la programación online del festival In-Edit que se extenderá hasta el 8 de diciembre (inedit.cl).

La película es un repaso por la historia del sonido en el cine. Se recuerdan los años en que los efectos especiales se realizaban en vivo en medio de las proyecciones y, por ejemplo, el impacto que tuvo las funciones de la película "Wings" (1927), de William A. Wellman. De ahí se salta a un hito inevitable: la sonorizada "The Jazz Singer" (1927) que, según uno de los entrevistados, impactó más por sus diálogos que por las canciones. El cine mejoraba sus formas de replicar el mundo.

Interesante es el caso de Murray Spivack y su trabajo para "King Kong" (1933) que consistió en grabar animales en el zoológico e intervenir el resultado, invirtiendo la pista de los tigres para mezclarlas con las de los leones. Así surgió el rugido del gorila gigante que se posa en la cima del Empire State.

Avanzando en las décadas nos encontramos con la influencia de la radio en el cine y el trabajo de Orson Welles (quien cambió el micrófono por la cámara) o con un experimentador fundamental como es Walter Murch, quien, influenciado por el cine europeo y la música experimental (fundamentalmente John Cage), desafió las convenciones con sus trabajos para "THX 1138" (George Lucas, 1971), "The Conversation" (Francis Ford Coppola, 1974) y "Apocalypse Now" (Francisc Ford Coppola, 1979), entre otras producciones.

"Making Waves" aborda también la influencia de los avances tecnológicos en la industria musical y sus efectos en el cine (con "Nace una estrella", con Barbra Streisand, como hito principal), dedica varios minutos a hablar de la sonorización de "Star Wars", honra las búsquedas de Alan Splet (sonidista de películas como "Eraserhead" y "Dune") y analiza la era digital a través de exploradores tecnológicos como Pixar, entre otras hazañas del rubro. Todo esto con testimonios de George Lucas, David Lynch, Barbra Streisand, Peter Weir y Ang Lee, entre muchos otros. En definitiva, una cátedra sobre sonido con profesores estelares.